बरॉक

बरॉक (उच्चारित/bəˈroʊk/, bə-), rohk यूरोप में 16वीं सदी के अंत और 18वीं सदी के आरंभ में प्रचलित एक कलात्मक शैली है।^[1] इसे अधिकतर "मैनेरिस्ट और रोकोको युगों में यूरोप की एक प्रभावशाली शैली के रूप में परिभाषित किया जाता है, एक ऐसी शैली, जिसे गतिशील आन्दोलन, खुली भावना और आत्मविश्वासी अलंकार विद्या" के रूप में जाना जाता है।^[2]

बरॉक शैली की लोकप्रियता और सफलता को रोमन कैथोलिक चर्च द्वारा प्रोत्साहित किया गया, जिसने प्रोटेस्टेंट सुधार की प्रतिक्रिया में, काउंसिल ऑफ ट्रेंट के समय यह निर्णय लिया था, कि कला को प्रत्यक्ष और भावनात्मक जुड़ाव के साथ धार्मिक प्रकरणों को संचारित करना चाहिए।^[3] अभिजात वर्ग ने भी बरॉक वास्तुकला की नाटकीय शैली और कला को आगंतुकों को प्रभावित करने और विजयी शक्ति और नियंत्रण को अभिव्यक्त करने वाले माध्यम के रूप में देखा। बरॉक महलों को परिसर के प्रवेश द्वार, भव्य सीढ़ियों और क्रमानुसार समृद्धि को बढ़ाने वाले स्वागत कक्ष के आस पास निर्मित किया जाता है।

लगभग सन 1600 के आसपास, नई कला की मांग के फलस्वरूप अस्तित्व में आई कला को आज बरॉक कहा जाता है। काउंसिल ऑफ ट्रेंट (1545-1563) में अधिनियम को लागू किया गया जिसके साथ रोमन कैथोलिक चर्च को प्रोटेस्टैंट सुधार से जुड़ी प्रतिनिधित्ववादी कला का संदेश यह मांग रखते हुए दिया गया^[], कि चर्च परिप्रेक्ष्य में चित्रकला और मूर्तिकला को विद्वान लोगों से ज्यादा अशिक्षित लोगों से संवाद करना चाहिए, हालांकि एक पीढ़ी बाद प्रकट हुई बरॉक कला की प्रेरणा के रूप में उन्हे प्रथानुसार यह प्रस्ताव^{[weasel words]} दिया गया।

बरॉक शैली की सुंदरता 16वीं शताब्दी की मेनेरिस्ट कला की विलक्षण और बौद्धिक गुणवता से जानबूझ कर एक इन्द्रियों की सुन्दरता की ओर मुड़ गई। इसने एक प्रतिमा विज्ञान को नियोजित किया जो प्रत्यक्ष, वास्तविक और नाटकीय था। बरॉक कला को ऐनिबल कैराकी और उसके चक्र में एक खास और वीरतापूर्ण प्रवृतियों के साथ चित्रित किया गया और कारावाजिओ और फेडरिको बॉरोकी जैसे कलाकारों पर इसका प्रभाव पड़ा, जिन्हें आजकल कभी-कभी प्रोटो-बरॉक कहा जाता है।

बरॉक के मौलिक विचार माइकल एंजेलो और कोरेजिओ की कला में भी पाए जा सकते हैं।

संगीत में कुछ सामान्य समानताएं "बरॉक संगीत" की अभिव्यक्ति को उपयोगी बनाती हैं। वाक्यशैली की विषम लंबाई, सद्भाव और सुर से बेदखल पौलिफोनी और ऑर्केस्ट्रा से संबंधित रंग ने एक मजबूत स्वरूप प्रदान किया। (देखें बरॉक संगीत.) कविता में सरल, दृढ़, नाटकीय अभिव्यक्ति युक्त इसी तरह के सम्मोहन को, जहां स्पष्ट और वृहद शब्द-संक्षेपित छन्दों ने जॉन डॉन जैसे शिष्टतावादियों द्वारा नियोजित अंत:संबंधित और विस्तारित आध्यात्मिक उपमाओं और चित्रकला के दृश्य विकासों के द्वारा जोरदार तरीके से प्रभावित चित्रकारी को बदल दिया, जॉन मिल्टन के पैराडाइज लॉस्ट, एक बरॉक महाकाव्य, में महसूस किया जा सकता है।^[]

हालांकि कई केन्द्रों में 1720 के बाद के दशक में फ्रांस में शुरू हुई रोकोको शैली ने, विशेषकर अंतर्वती, चित्रकला और अन्य सजावट की कलाओं के लिए, बरॉक का स्थान ले लिया, तथापि बरॉक वास्कतुला 18वीं सदी में नवशास्त्रवाद के आगमन तक एक व्यवहार्य शैली बनी रही.

चित्रकलाओं में, बरॉक मुद्राएं मेनेरिस्ट मुद्राओं की तुलना में अधिक भावपूर्ण हैं: कम रहस्यमय और गूढ़, ओपेरा की मंच मुद्राओं की तरह, एक गंभीर बरॉक कलारूप. बरॉक मुद्राएं कॉन्ट्रापोस्टो ("प्रतिसंतुलन"), आकृतियों के अंदर कन्धों और कूल्हों के हिस्सों को विपरीत दिशा में स्थानांतरित होने वाले तनाव पर निर्भर करती हैं। यह मूर्तियों को करीब-करीब ऐसा रूप देती हैं कि लगता है मानो वे अभी चल पड़ेंगी.

सुखाई हुईं, परिष्कृत, कम नाटकीय और रंगवादी, 18वीं सदी के बाद के चरणों की बरॉक स्थापत्य शैली प्राय: एक भिन्न विलंबित बरॉक अभिव्यक्ति की तरह दिखाई देती है। (देखें क्लाउड पेरॉल्ट). विलियम केन्ट द्वारा विस्तार से उल्लेखित नव-पैलडियन स्थापत्य शैली की अकादमिक विशेषताओं में, ब्रिटेन और ब्रिटिश उपनिवेशों में सामानांतर विकास देखा गया है: इंटीरियर के अंतर्गत, केन्ट के फर्नीचर डिजाइन स्पष्ट रूप से रोम और जेनोआ के बरॉक फर्नीचर से प्रभावित हैं, अपने स्थान से न हटने के लिए बने वर्गीकृत वास्तुशिल्पिय मूर्तिकलात्मक जो दीवार की सजावट को पूरा करते थे। बरॉक समृद्ध और भारी विवरणों पर मढ़ी गयी एकता की शैली है।

कला इतिहासकारों, अक्सर प्रोटेस्टेंट^{[weasel words]} लोगों ने, पारंपरिक रूप से इस बात पर बल दिया, कि बरॉक शैली उस समय के दौरान विकसित हुई जिस समय में रोमन कैथोलिक चर्च को विभिन्न क्रान्तिकारी आन्दोलनों के खिलाफ संघर्ष करना पड़ा, जिसने एक नए विज्ञान और नए धर्म-एक सुधार को पैदा किया। ऐसा कहा गया है ^{[weasel words]} कि स्मारकीय बरॉक एक ऐसी शैली है जो पोप के पद को, धर्म निरपेक्ष परम राजशाहियों की तरह, एक औपचारिक, प्रभावशाली अभिव्यक्ति का ढंग प्रदान कर सकती थी, जो कैथोलिक सुधार के किसी तरह प्रतीकात्मक होने की बिन्दु पर इसकी प्रतिष्ठा को वापस लौटा सकता था। चाहे यह सच हो या नहीं, लेकिन रोम में यह सफलतापूर्वक विकसित हुआ, जहां इस समयावधि के दौरान शायद सबसे महत्वपूर्ण नगरीय पुनरीक्षण के साथ केन्द्रीय क्षेत्रों को बरॉक स्थापत्य ने व्यापक तौर पर नवीनीकृत किया।^[]

चित्रकला में बरॉक कितना महत्वपूर्ण है इस तथ्य की व्याख्या के विवरण पेरिस (अब लौवर के)^[4] के लक्जमवर्ग महल में मैरी डे मेडिसी के लिए पीटर पॉल रूबेन्स द्वारा निष्पादित चित्रकलाओं की शृंखला में प्रदान किये गए हैं, जिसमें एक कैथोलिक चित्रकार ने एक कैथोलिक संरक्षक को राजशाही की बरॉक-युग की अवधारणा, आइकोनोग्राफी, रंग का प्रयोग और संरचना के साथ स्थान और गति के चित्रण के साथ संतुष्ट किया।

इतालवी बरॉक चित्रकला में अत्यधिक विविध पहलू थे, कैरावेजिओ से कॉर्टोना तक, दोनों विभिन्न शैली के साथ भावोत्तेजक गतिशीलता तक पहुंच रखते थे। बार-बार उद्धृत किया जाने वाली एक अन्य बरॉक रचना सेन्ट मारिया डेला विटोरिया में कारमारो पूजास्थल के लिए बेर्निनी का सेन्ट टेरेसा इन एक्सटेसी है, जो वास्तुकला, मूर्तिकला और थियेटर को एक बड़ी भूमिका के लिए जोड़ती है।^[5]

परवर्ती बरॉक शैली ने धीरे-धीरे अधिक सजावटी रोकोको का मार्ग प्रशस्त किया, जिसने, यद्दपि इसके विपरीत, बरॉक को परिभाषित किया।

बरॉक कला की तीव्रता और तात्कालिकता और इसका व्यक्तिवाद और विस्तार - जिसका अवलोकन कपड़े और इसकी सतह की बुनावट जैसी चीजों में किया गया- ने इसे पश्चिमी कला का सबसे सम्मोहक काल बनाया.

17वीं सदी के डच गोल्डेन युग की चित्रकला में उतरी यथार्थवादी परम्परा के बाहर एक अपेक्षाकृत अलग कला का विकास हुआ, जिसमें बहुत कम धार्मिक कला और बहुत कम इतिहास की चित्रकला थी, जिससे इसने अचल जीवन, रोजनर्रा के दृश्यों की शैली चित्रकला और प्राकृतिक दृश्यों की चित्रकला में एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाई. जबकि रेम्ब्रान्ड्ट की कला की बरॉक प्रकृति स्पष्ट है, वेर्मीर और बहुत सारे अन्य डच कलाकारों के लिए इसके लेबल का बहुत कम ही उपयोग किया जाता है। फ्लेमिश बरॉक चित्रकला अन्य पारंपरिक श्रेणियों के उत्पादन में भी सक्रिय रहने के साथ, इस शैली का एक हिस्सा सांझा करती है।

बरॉक मूर्तिकला में, आकारों के समूहों ने नए महत्त्व ग्रहण किये और इनमे मानव रूपों की सक्रिय गतिशीलता और ऊर्जा थी - वे एक खाली केन्द्रीय भंवर के चारों और सर्पिल रेखा बनाती थी, या आस-पास की जगहों के बाहर की ओर पहुंचती थीं। पहली बार, बरॉक मूर्तिकला में अक्सर कई आदर्श दृश्य कोण थे। बरॉक मूर्तिकला की विशेषता ने मूर्तिकला की अतिरिक्त विशेषताओं को जोड़ा, उदाहरण के लिए, गुप्त प्रकाश व्यवस्था या पानी के फव्वारे. ब्राजील में अलेइजाडिन्हों बरॉक मूर्तिकला में एक महान नाम था और उसका प्रमुख कार्य कांगोन्हास में सैंटुआनो डे बॉम जिसस डे माटोसिन्हॉस की मूर्ती लगाना है। छत के आसपास ओल्ड टैस्टमैंट के ईश्वर के दूतों की सोपस्टोन से बनी मूर्तियों को उनकी महत्वपूर्ण कलाओं में माना जाता है।

बेर्निनी (1598-1680) की वास्तुकला, मूर्तिकला और फव्वारे बरॉक शैली की अधिक विस्तृत विशेषताओं को व्यक्त करते हैं। बेर्निनी निःसंदेह बरॉक अवधि के सबसे महत्वपूर्ण मूर्तिकार थे। वे अपनी बहुमुखीप्रतिभा में माइकल एंजेलो तक पहुंचे : बेर्निनी ने मूर्ति बनाई, एक वास्तुकार के रूप में कार्य किया, चित्र बनाया, नाटक लिखा और तमाशों का मंचन किया। 20वीं सदी के उतरार्ध में बेर्निनी को अपनी मूर्तिकला में संगमरमर की नक्काशी करने और आकार बनाने की उनकी योग्यता, दोनों में ही प्रवीणता के लिए सबसे अधिक महत्त्व दिया गया, जो भौतिकता और अध्यात्म को जोड़ती हैं। ताकतवर लोगों में भारी मांग वाले सीने तक के चित्रों के वे एक अच्छे मूर्तिकार थे।

बेर्निनी की बरॉक कला का एक अच्छा उदाहरण सेन्ट मारिया डेला विटोरिया, रोम के चर्च के कॉर्नारो पूजास्थल के लिए बनाया गया उनका सेंट टेरेसा इन एक्सटैसी है। कॉर्नारो परिवार के लिए, बेर्निनी ने पूरे चर्च के चारों ओर किनारे की वैकल्पिक जगह, पूजास्थल को डिजाइन किया।

पूजास्थल का केंद्र बिन्दु, अनेक रंगों के संगमरमर की स्थापत्य फ्रेम से घिरी हई नरम और सफेद संगमरमर की सेंट थेरेसा की एक मूर्ति है। यह संरचना उस खिड़की को छुपाने का कार्य करती है, जो उपर से मूर्ति पर प्रकाश डालती है। हल्की उभरी हुई नक्काशी में, कॉर्नारो परिवार की अकार-समूहों की बनी मूर्तियां पूजास्थल के दो सिरे की दिवारों के साथ ओपेरा बक्सों में रखी हुई हैं। समायोजन दर्शकों को कॉर्नारो परिवार के साथ मूर्ती के सामने खड़ा करता है जहां से उन्हें ऐसा दिखता है मानो वे बॉक्स सीटों से बाहर की ओर झुक रहे हैं और संत के रहस्यमय परमानंद को उचक कर देख रहे हैं। सेंट थेरेसा आदर्श रूप और काल्पनिक समायोजन में में प्रस्तुत किये गए हैं। कैथोलिक सुधार की एक विख्यात संत अविला की संत थेरेसा ने एक रोमन कैथोलिक तपस्वी कार्यविधि वालीनन को लक्षित कर के अपने रहस्यमय अनुभवों को लिखा, ये लेखन आध्यात्मिकता की ओर जाने की लालसा रखने वाले गृहस्थ लोगों में बहुत प्रसिद्ध हुआ था। अपने लेखन में, उसने ईश्वर के प्रेम को अपने हृदय में जलते हुए तीर के रूप में वर्णन किया। बेर्निनी इस बिंब को संत थेरसा को बादलों पर रखता है जबकि एक कामदेव का आकार एक सुनहरा तीर धारण किए हुए है और उसे देखकर मुस्करा रहा है, इस तरह के बिंब द्वारा वह इसे साहित्यिक रूप प्रदान करता है। दिव्य आकार इसके हृदय में तीर को बेधने की तैयारी नहीं करता, बत्कि तीर को वापस ले लेता है। सेंट थेरेसा का चेहरा परमानंद की प्रत्याशा को नहीं, वरन् उसकी वर्तमान संतुष्टि को दर्शाता है, जिसे कामोन्माद के रूप में व्याख्यायित किया गया है।

इसे व्यापक तौर पर बरॉक की प्रतिभा माना जाता है हालांकि धार्मिक और कामुक कल्पना का यह मिश्रण नवशास्त्रवादी संयम के संदर्भ में बेहद आक्रामक था। तथापि, बेर्निनी एक धर्मनिष्ठ कैथोलिक था और वह एक पवित्र नन के अनुभवों की निंदा करने का प्रयास नहीं कर रहा था। बल्कि, उसका उद्देश्य एक धार्मिक अनुभव को तीव्र शारीरिक उत्तेजना के रूप में चित्रित करना था। थेरेसा ने अपने शारीरिक प्रतिक्रियाओं से आध्यात्मिक ज्ञान को कई मनीषियों द्वारा प्रयोग की गई परमानंद की भाषा में व्याख्यायित किया है और बेर्निनी का चित्रण गंभीर है।

कॉर्नारो परिवार इस पूजास्थल में खुद को विनयपूर्ण ढंग से बढ़ावा देता है; उन्हें दृश्य रूप में निरूपित किया गया है, लेकिन बैल्कॉनियों से घटना को देखते हुए उन्हें पूजास्थल के किनारे पर रखा गया है। चूंकि ओपेरा हाउस में, अपने निजी जगह में उन्हें दर्शकों की अपेक्षा संत के करीब एक सम्मानजनक स्थिति हासिल है; तथापि, दर्शक को सामने से बेहतर दृश्य देखने को मिलता है। वे पूजास्थल के साथ अपना नाम जोड़ते हैं, लेकिन केंद्र बिंदु में संत थेरेसा हैं। इस अर्थ में यह एक निजी पूजास्थल है कि कोई भी जनसमूह को (17 वीं सदी और शायद 19 वीं सदा से) प्रतिमा के नीचे की वेदी पर इस परिवार की अनुमति के बिना एकत्र होने के लिए नहीं कह सकता था, लेकिन एक ही चीज दर्शकों को चित्र से अलग करती है, वह वेदी की छड़ है। यह नजारा रहस्यवाद और परिवार के गौरव का एक अंश, दोनों के प्रदर्शन का कार्य करता है।

जॉन हॉग जैसे बहुत सारे शिक्षाविदों के अनुसार बरॉक शैली को पहली बार सेल्जुक तुर्क के द्वारा विकसित किया गया माना जाता है।^[6] बरॉक वास्तुकला में उत्साही जनसमूह, स्तंभावली, गुंबद, प्रकाश और छाया (चियार्सोक्युरो), 'पेंटर्ली' रंग प्रभाव और शून्य और मात्रा के उत्साही खेल को नया महत्त्व दिया गया। इंटीरियर में, चारों ओर बरॉक गति और एक शून्य के माध्यम से स्मारकीय सीढियों की सूचना मिलती है जो पहले की वास्तुकला से अलग है। सांसारिक इंटीरियर में अन्य बरॉक अविष्कार राजसी कक्ष था, बहुत ही समृद्ध इंटीरियर का एक विस्तृत क्रम जो मौजूद कक्ष या सिंहासन कक्ष या शाही शयनकक्ष में पराकाष्ठा पर पहुंचा हुआ था। शाही अपार्टमेंट के बाद स्मारकीय सीढ़ियों के अनुक्रम की नकल हर जगह किसी भी भव्य आवास में छोटे पैमाने पर की गयी थी।

बरॉक वास्तुकला को मध्य जर्मनी (उदाहरण के लिए देखें लुड्विग्सबर्ग महल एवं ज्वींगर ड्रेसडेन), ऑस्ट्रेलिया और रूस (उदाहरण के लिए देखें पिटरहॉफ) में उत्साह के साथ अपनाया गया। इंग्लैंड में 1660 से 1725 तक बरॉक वास्तुकला के उत्कर्ष को सर क्रिस्टोफर रेन, सर जॉन वैनब्रग और निकोलस हॉक्समूर के कार्यों द्वारा प्रस्तुत किया गया। बरॉक वास्तुकला और नगर नियोजन के कई उदाहरण अन्य यूरोपीय शहरों और लैटिन अमेरिका में पाए जाते हैं। इस अवधि की टाऊन प्लानिंग योजनाओं ने वर्गों में अन्तर्विभाजन करने करने वाले चमकते हुए रास्तों को प्रधान बनाया जिसने बरॉक गार्डेन प्लान से संकेत ग्रहण किया। नोटो, रगुसा एवं एसिरिअल "बैसिलिका डि सैन सेबास्टिएनो" के रूप में सिसिली में बरॉक ने नए आकार और उद्देश्य विकसित किए.

बरॉक वास्तुकला का एक और उदाहरण मेक्सिको में मोरेलिया माइकोआकैन का कैथेड्रल है। 17वीं सदी में विन्सेंजो बैरेचिओ द्वारा निर्मित यह मैक्सिको के कई बरॉक कैथेड्रल में से एक है।

फ्रांसिस चिंग बरॉक ने वास्तुकला को "शुरुआती 17वीं सदी में इटली में शुरू हुई और यूरोप और नए विश्व में डेढ़ सदी तक प्रचलित और शास्त्रीय क्रम और गहनों का मूर्तिकलात्मक उपयोग, स्थानों का गतिक अवरोध और अंतर्निवेश और वास्तुकला, मूर्तिकला, चित्रकला और सजावटी कला के नाटकीय रूप से संयुक्त प्रभाव द्वारा चरित्रित" कला के रूप में वर्णित किया है।^[7]

रंगमंच में, विस्तृत अहंभाव, कथानक के मोड़ की विविधता, मैनरिज्म के चरित्रों की स्थिति की विभिन्नता (उदाहरण के लिए शेक्सपियर की त्रासदियों में) को ओपेरा द्वारा दर्शाया गया, जिसने कई कलाओं को एक साथ करने का कार्य किया।

बरॉक युग में विकसित थिएटर, वास्तविक वास्तुशिल्प अवधि के साथ शुरू होकर मल्टीमीडिया अनुभव बन गया। वास्तव में, मौजूदा ब्रॉडवे या वाणिज्यिक नाटकों में इस्तेमाल की जाने वाली अधिकतर तकनीक इस युग के दौरान ही खोजी और विकसित की गई। चंद क्षणों में मंच रूमानी बगीचे से महल के आंतरिक भाग में तब्दील किया जा सकता था। पूरी जगह एक बनावटी चयनित क्षेत्र हो गया जो प्रयोक्ताओं को-सभी मशीनरी और तकनीक - अधिकतर रस्सियों और चरखियों को छुपाते हुए निश्चित एक्शन को देखने का अवसर प्रदान करता है।

इस तकनीक ने व्याख्यायित विषय या प्रदर्शित अंशों को, इसके ड्युक्स एक्स मशीना समाधान का सबसे अच्छा अभ्यास करते हुए प्रभावित किया। सबसे चरम और खतरनाक, यहां तक कि बेतुकी स्थितियों में भी नायक का बचाव करने के लिए देवताओं को अंततः आकाश से -वस्तुतः- नीचे आना पड़ा.

शब्द थियेट्रम मुंडी - दुनिया एक मंच है - भी गढ़ा गया। वास्तविक दुनिया में सामाजिक और राजनीतिक दायरे को, चयन द्वारा एक्शन को संभव बनाने वाली मशीनों को छिपाते हुए, बिल्कुल उसी तरह हेर फेर किया गया जैसे अभिनेता और मशीन मंच पर प्रस्तुत किए गए दृश्यों को प्रस्तुत/सीमित करते हैं।

वटेल, फैरिनेली जैसी फिल्में और ब्रांसेलोना के ग्रैन थिएटर डेल लिस्यु में मौटेवेर्डि के ऑर्फिअस का मंचन बरॉक युग की निर्माण शैली की एक अच्छी जानकारी देता है। अमेरिकी संगीतकार विलियम क्रिस्टी और लेस आर्ट्स फ्लोरिसैंट्स ने अन्य ओपेरा जो 17वीं शताब्दी की मूल रचना के एकदम अनुरूप हैं, से कारपेंटिअर एवं लूली के अंशों का प्रदर्शन कर वृहद शोध कार्य किया है।

बरॉक ने वास्तव में नए मूल्यों को व्यक्त किया, जिन्हें अक्सर रूपक और दृष्टांत में संक्षेपित किया जाता है और इनका उपयोग बरॉक साहित्य में व्यापक तौर पर पाया जाता है, "मैराविग्लिया" (आश्चर्य, विस्मय - जैसे कि मैनरिज्म में) के लिए शोध में, शिल्पकारों के प्रयोग में भी ये पाए जाते हैं। द सायकोलॉजिकल पेंन ऑफ मैन - एक कुशल उद्घोषक की तलाश में कॉप्रिकैन और लुथेरन आंदोलन के बाद छिन्न-भिन्न हुआ एक प्रसंग, "परम मानल सत्ता" का एक प्रणाण - बरॉक युग के कला और स्थापत्य दोनों में पाया गया था। यथार्थवाद और विवरण के लिए सावधानी (पारंपरिक "गूढ़ता" की कुछ वार्ता) के साथ कलाप्रवीणता का शोध कलाकारों द्वारा किया गया (और शिल्पकार किसी भी कला में एक आम व्यक्तित्व बन गया).^[]

बाह्य रूपों को दिए गए विशेषाधिकार क्षतिपूर्ति और विषय की कमी को पूरा करने के लिए थे जिन्हें बहुत सारे बरॉक कार्यों में पाया गया: उदाहरण के लिए, मैरिनो का मेराविल्गिया, व्यवहार में शुद्ध रीति से बनाया गया है। फैंटेसी और कल्पना दर्शक, पाठक और श्रोता में पैदा होनी चाहिए. कलाकार, या सीधे-सीधे कला और इसके प्रयोक्ता, इसके ग्राहक के बीच सीछे संबंध के रूप में सभी को व्यक्ति के चारों ओर केंद्रित किया गया। मैराविग्लिया द्वारा, इस तरह कला और उपयोगकर्ता की दूरी कम हो जाती है, वह एकदम सीधे उससे संबंध स्थापित करता है, सांस्कृतिक दूरी को पाटते हुए जो कला और उपयोगकर्ता को पारस्परिक रूप से दूर करती है।^[] लेकिन व्यक्ति पर बढ़े हुए ध्यान ने इस योजना में रोमान्जो (उपन्यास) जैसी शैली पैदा की और स्थानिक या लोकप्रिय कला रूपों, विशेषकर साहित्य, को अपने साक्ष्य के रूप में संभव बनाया. इटली में एक व्यक्ति की ओर झुका हुआ यह आंदोलन (जिसे कुछ लोग "सांस्कृतिक पतन" कहते हैं, जबकि दूसरे इसे बरॉक के खिलाफ शास्त्रीय विरोध के लिए संभव कारण के रूप में प्रकट करते हैं) निश्चित रूप से लैटिन की जगह इतालवी के आ जाने का कारण बना. ^[]

स्पेन में, बरॉक लेखक सिग्लो डे ऑरो में संघबद्ध हुए. प्रकृतिवाद और स्पेनी समाज को देखने की तीव्र समालोचनात्मक दृष्टि क्वीवेडो के रूप में काँसेप्टिस्टा लेखकों के बीच आम है, जबकि कल्टेरैनो लेखक जटिल बिंब युक्त महत्वपूर्ण रूपों और हाइपरबैटन के उपयोग को महत्त्व देते हैं। कैटेलोनिया में बरॉक ने जोसेप रोमागुएरा की अद्वितीय प्रतीक पुस्तक अथेनियो डे ग्रैंडेसा के साथ ही फ्रांसेस्क फौंटानेला एवं फ्रांसेस्क विसेंक गार्सिया जैसे शामिल कवि और ड्रामाटर्ग्स प्रतिनिधियों के साथ कैटलन भाषा की तरह ही पकड़ बनाई. औपनिवेशिक स्पैनिश अमेरिका में सबसे प्रसिद्ध कुछ लेखकों में मैक्सिको के शोर जुआना और बेरनार्डो डे बैल्बुएना और पेरू के, जुऑन डे एस्पिनोसा मेड्रानो तथा जुऑन डेल वाइ कैविडेस थे।^[]

पुर्तगाली साम्राज्य में उस समय के सबसे प्रसिद्ध बरॉक लेखक फादर एन्टेनिओ विएइरा थे, एक जेसुइट थे जो 18वीं सदी के दौरान ब्राजील में रहते थे। दूसरे दर्जे के लेखक ग्रेगोरियो डे माटोस और फ्रांसिस्को रोड्रिग्युज लोबो थे।^[]

अंग्रजी साहित्य में आध्यात्मिक कवि सघन रूप से जुड़े आंदोलन का प्रतिनिधित्व करते हैं; उनकी कविता भी उसी तरह असामान्य रूपकों की तलाश करती थी, जिसे उन्होंने उस समय विस्तार से परीक्षित किया। उनके पद्य भी विरोधाभास को प्रकट करते हैं और जानबूझकर आविष्कारशील और असामान्य वाक्यांश में बदल जाते हैं।^[]

जर्मन बरॉक साहित्य के लिए, बरॉक युग के जर्मन साहित्य को देखें.

बरॉक शब्द का उपयोग उस अवधि के दौरान रचित संगीत शैली को प्रदर्शित करने के लिए भी किया जाता है जो बरॉक कला से आच्छादित है, लेकिन आम तौर पर उसमें कुछ बाद की अवधि शामिल है। जे एस बाख, जी.एफ.हैंडल और एंटोनियो विवैल्डी को इसके शिखर पुरूष के रूप में माना जाता है।^{[weasel words]}

यह अब भी एक विवादित प्रश्न है कि किस हद तक बरॉक संगीत बरॉक युग के दृश्य और साहित्यिक कलाओं के साथ सौन्दर्यशास्त्रीय सिद्धांतो का साझा करती है। एक काफी स्पष्ट साझा तत्त्व अलंकरण के प्रति प्यार है और यह शायद महत्वपूर्ण है कि अलंकरण की भूमिका का संगीत और स्थापत्य दोनों में ह्रास हुआ क्योंकि बरॉक ने शास्त्रीय युग का मार्ग प्रशस्त कर दिया.

ऐसा लगता है कि संगीत के लिए "बरॉक" शब्द की उपयोगिता अपेक्षाकृत हाल ही में विकसित हुई. संगीत में "बरॉक" शब्द का प्रयोग पहली बार केवल 1919 में कर्ट सैक्स द्वारा किया गया था और 1940 तक यह शब्द उपयोग में नहीं था जब तक पहली बार इस शब्द का उपयोग अंग्रेजी में किया गया (मैनफ्रेड बुकोफ्जेर द्वारा प्रकाशित किए गए एक लेख में).^[] 1960 के बाद तक भी अकादमिक हलकों में इस बात को लेकर एक विचारणीय विवाद बना रहा कि क्या जैकोपो पेरी, फ्रांकोइस कौपेरिन और जे.एस. बाख द्वारा विविध रूप दिए गए संगीत को एक अकेले शैलीगत शब्द में सार्थक रूप से बांधा जा सकता है।^[]

कोन्सर्टो और सिन्फोनिया जैसे कई संगीतमय रूपों का इस युग में जन्म हुआ। सोनाटा, कंटाटा और ओरटोरिओ जैसे रूपों में निखार आया। मोनोडी के रचनकार फ्लोरेंन्टाइन कैमेराटा, जिसने पुराने ग्रीक रंगमंचीय कलाओं को पुनर्सृजित करने का प्रयास किया, के प्रयोगों की बदौलत ओपेरा का जन्म हुआ। वास्तव में, यह वही विकास था, जिसे 1600 के आस-पास बरॉक संगीत की शुरुआत के रूप में चिन्हित किया जाता है।^[] एक महत्वपूर्ण तकनीक जिसका बरॉक संगीत में प्रयोग किया जाता था, वह ग्राउण्ड बैस, एक दुहराई गई बास लाईन, था। हेनरी पर्सेल का डिडोज लैमेंट इस तकनीक का प्रसिद्ध उदाहरण है।

• क्लाउडियो मोंटेवेर्डी (1567-1643) 'ल'ऑर्फियो, म्युजिका में फैवोला (1610)
• हेनरिक स्कुट्ज (1585-1672, सिंफोनिया सैकरा (1629, 1647, 1650)
• जीन-बैप्टिस्ट लूली (1632-1687) अर्माइड (1686)
• जोहान) पैकेलबेल (1653-1706) कैनन इन डी (1680)
• अर्कैंजेलो कोरेली (1653-1713), 12 काँसर्टी ग्रॉसी
• हेनरी पर्सेल (1659-1695) डिडो और एनिआस (1687)
• टोमैसो अल्बिनोनी (1671-1751), सोनाटा ए सेइ कॉन ट्रोंबा
• एंटोनियो विवेल्डी (1678-1741), द फोर सीजन्स
• जोहान डैविड हेइनीकेन (1683-1729)
• जीन फिलिप रैमेओ (1683-1764) डैरडानुस (1739)
• जॉर्ज फ्रेडरिक हैंडेल (1685-1759) जल संगीत सूट (1717)
• डोमेनिको स्कार्लेटी (1685-1757), हर्प्सिकॉर्ड या सिंबैलो के लिए सोनैटास
• जोहान सेबेस्टियन बाक (1685-1750), ब्रान्डेनबर्ग कंसर्टर्स (1721)
• जार्ज फिलिप टेलेमैन/0} [[(1681-1767), डेर टैग डेस गेरिक्च्स ]] (1762)
• गिरोवैनी बैटिस्टा पर्गोलेजी (1710-1736), स्टैबैट मेटर (1736)

ऑक्सफोर्ड इंग्लिश डिक्शनरी के अनुसार बरॉक शब्द स्पेनिश, पुर्तगाली के बैरेको (barraco), स्पेनिश के बोरोको (barroco) या फ्रेंच के बरॉक (baroque), से उत्पन्न हुआ है, जो सभी एक "स्थूल या अपूर्ण मोती" को संदर्भित करते हैं, हलांकि यह अज्ञात है कि यह शब्द इन भाषाओं में लैटिन, अरबी या किसी अन्य स्रोत के बीच से आया या नहीं.^[8] अनौपचारिक उपयोग में, सत्रहवीं एवं अठारहवीं सदी के बरॉक शैली के संदर्भ के बिना, बरॉक शब्द का साधारण अर्थ, बहुत सारे विवरणों के साथ किसी चीज को "अलंकृत करना" है।

अधिकतर आवधिक या शैलीगत नामों की तरह बरॉक शब्द की खोज 17वीं और शुरूआती 18वीं सदी में इस कला का प्रयोग कर रहे कलाकारों की बजाय बाद के आलोचकों द्वारा की गई। यह पुर्तगाली वाक्यांश "pérola barroca" का फ्रेंच लिप्यंतरण है, जिसका मतलब 'अनियमित मोती" है और प्राकृतिक मोती जो सामान्य और सतत रूप से विकृत हो जाता है और इस तरह जिसके पास घूर्णन का अक्ष नहीं रहता उसे "बरॉक मोती" के नाम से जाना जाता है। दूसरे इसको, तार्किक स्कॉलैस्टिका में, सिलोगिज्म के एक तथाकथित आस्वाभाविक रूप को उद्धृत करते हुए स्मरणीय शब्द बैरोको (Baroco) से व्युत्पन्न मानते हैं।^[9]

शब्द "बरॉक" शुरू में एक अपमानजनक अर्थ के साथ, इसकी ज्यादतियों को रेखांकित करते हुए, इस्तेमाल किया गया था। विशेष रूप से, इस शब्द का उपयोग इसके विलक्षण अतिरेक और विवरण की भड़कीली बहुतायता को वर्णित करने के लिए किया गया था जिसने सूक्ष्म रूप से नवजागरण के स्पष्ट और शांत चेतना में व्यतिरोक उत्पन्न किया। पहली बार इसे स्विस-मूल के कला इतिहासकार हेनरिक वोल्फिन (1864-1945) ने अपने रेनेसां अंड बैरॉक में प्रतिष्ठित किया; वोल्पिन ने बरॉक को "जनसमूह में आयातित आंदोलन" और नवजागरण के लिए एक एंटिइथेटिक कला के रूप में पहचाना. उन्होंने आधुनिक लेखकों की तरह बरॉक और मैनरिज्म के बीच अंतर नहीं किया और 18वीं सदी तक मौजूद रहने वाले बाद के अकादमिक बरॉक की उपेक्षा की. फ्रेंच और अंग्रेजी के लेखकों ने बरॉक को तब तक सम्मानीय अध्ययन के रूप में नहीं अपनाया जब तक वोल्फिन के प्रभाव ने जर्मन शोधवृति को पूर्व-प्रख्यात नहीं बना दिया.

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• वेकफील्ड, स्टीव (2004). कैपेंटियर्स बरोक फिक्सन: रिटौर्निंग मेदुसाज गेज़. ग्रेट ब्रिटेन: द क्रॉमवेल प्रेस. आई॰ऍस॰बी॰ऍन॰ 1855661071.

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विकिस्रोत में इस लेख से सम्बंधित, मूल पाठ्य उपलब्ध है:

बरॉक

• बैरोक और रोकोको संस्कृति
• "डिक्शनरी ऑफ़ द हिस्ट्री ऑफ़ आइडिअस": साहित्य में बैरोक
• बैरोक साहित्य के सबसे बड़े काम
• वेबम्यूजियम पेरिस
• वैल डी नोटों में बैरोक -सिज़िलिय
• "कला के इतिहास" में बैरोक
• जॉन हॉबर द्वारा बैरोक कला पर निबंध
• बैरोक प्रतीकों पर^{[मृत कड़ियाँ]}
• बैरोक शैली और लुइस XIV का प्रभाव
• "बरोक स्टाइल गाइड". ब्रिटिश गैलरीज़. Victoria and Albert Museum. मूल से 19 अगस्त 2007 को पुरालेखित. अभिगमन तिथि 2007-07-16.
• मेल्विन ब्रैग बीबीसी4 रेडियो प्रोग्रैम इन आवर टाइम : द बैरोक

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